主办单位：山东美术馆
参展艺术家：朱艾平、隋建国、张永见、焦应奇、李刚、杨越、张望、顾黎明、周伟华、郭振宇、孙磊、杜小同、周长勇、曲衍志、高相发、邱飞、毕晓慧
展览时间：2019年3月6日至4月21日
展览地点：山东美术馆二楼B4、B5展厅
“生态——山东当代艺术研究展”像一块石头在平静的山东艺术圈激起了涟漪。一个个重要事件、一场场大型展览、一位位代表艺术家再次回到观众的视野中。展览提炼出的17位艺术家个体处在山东当代艺术发展的不同阶段，其代表作品构成了山东当代艺术的生态缩影。他们始终保持着对所处时代人的生存状态和新的语言变化的双重敏感度，避免惯性思维和习惯。艺术家们用多媒介的艺术语言方式阐述着“艺术”与“当代”。
不难发现，新世纪后，当代艺术由过去单一的、和体制对抗的、反思的结构深入到更多层面。这和与艺术院校的深层联动密切相关，当代艺术以一种实验性、跨媒体、新媒体的面貌介入院校系统，在语言、形式、思想观念的探索中有丰富和多元的内涵和形态。艺术家向社会、向大众抛出问题，观众从中重新认识和理解社会，种种迹象表明，当代艺术和社会现实生活发生了更为具体的联系。正在观看的你，当代艺术的点get到了吗？来山东美术寻找答案吧！
据了解，本次展览入选文化和旅游部“2018年全国美术馆青年策展人扶持计划”项目，展览由刘媛媛为主策划，山东美术馆集体实施。展览将持续至4月21日。
朱艾平
艺术本无大用，他本来属于普罗大众的，后来食色满足了的有款人为留下自己的尊容给后人看，就请丹青高手为自己造像；这些手艺人往往寄生于豪门大户，成了接单食客，渐渐的变成了一代名匠——艺术家就出现了。西方照相术产生后，绘画记录人事肖像的作用在一夜间崩了盘，但有型的架上艺术并没有消亡；尤其在中国，写实方法仍然是院校考试和艺术家的首选。文化革命，出现了伟大领袖的“标准像”——免冠正面红光亮+庄重表情的肖象。此像仅限于马恩列斯毛等伟人系列，黎民百姓从不敢奢望标准；有工农兵形象，也都是浓眉大眼、千人一面的愤怒、咧嘴的夸张表情。开放的今天，黎民终于有机会“标准”一下了，大家可以在我“标准”了的图形下，找到可以对号入座的名人Pose，黎民pose，秀一把鉴定的瘾了。
当代的标准，大概不以像不像为准；不以美丑为准；不以标准为标准。无标准的“标准像”其实是经过了千层陶冶、万遍提纯后的浓缩精华；他在标准的框架之内，又游离于框架之外；它标准的抽出了人本真的“像”，把一个“标准了”的灰色概念嵌入了“合法化”了的虚拟人像之中。
普遍而标准的美有吗？或许在集体无意识里，却不在画家的笔下。
隋建国
近年来，隋建国先生的创作理念从极其复杂到十分简单，从反映现实到顺其自然，最终变成一捏一握这样最简单的动作。《手迹》系列作品使用高精密度的3D 扫描技术及3D打印技术将自己随意捏的泥块放大，在上面能看到泥土凹凸的每个印记和作者掌纹的每处痕迹，甚至能感觉到在未定型前，泥土即将流淌而下的欲望。其中，雕塑家的手成为无可否认的存在，除此之外，你几乎看不到任何雕塑家本身创造的技术成分。
张永见
“洇”意为墨水着纸向周围散开之意。张永见的作品《中华洇》运用他惯以的橡胶材质进行创作，将在二维平面中出现的水墨晕染效果以立体的方式展开，这是对中国独有的水墨艺术的重新解读与表现。作者将水墨的晕染放置在“屏风”之中，亦是古典与当代的一次交汇与碰撞。
李刚
《竞技场》系列是李刚于2014年所作。作品在方寸间呈现出竞技场的激烈竞争与残酷。画面痛快且直接，近乎连续性的画面激发观者对其进行故事性的解读与思考。
焦应奇
在“霾伏”之中，想对污染说不，然而我们却只是戴上口罩，拿起手机在朋友圈无力po图或麻木自嘲。渐渐地，在泛滥成灾的网络段子中我们已经丧失对现实的警觉和痛感。而焦应奇将他对环境污染的态度倾注于艺术创作，通过对字的变幻、重组，赋予更加厚重和深刻的含义。它们陌生又熟悉，呐喊出对污染的无声批判。焦应奇依照自己总结的造字法创造了一系列新汉字，他所构建的独立却又开放的全新文字世界，充满了想象，又与这个时刻变化着的鲜活世界紧密连接。艺术家将会把造字的艺术理念与创作手法分享给大众，激发普通人对文字的创造力，在思考和行动中体验当代艺术，一同为创造宜居的环境而实践。
杨越
我用适合自己的方式去创作、表达，只有将对艺术本身的思考渗透到作品中，所传达出来才可能具备独特的意味。理性的、思维的、符号化的东西也好，具象的形象也好，都不再是其本身，而是有精神意志、有灵魂的物象，里面有我的思考，有物象本身的意志以及观者的意识，创作的主体、对象及观者三者之间的互相作用既是一种创作欣赏也是一种无形的二次创作，可以说，我的作品一定程度上不是我的，而是每个观者调动视觉感官和主观情感意识而与我共同完成的结果。
张望
这五件作品是张望先生在1990年创作的，作品中作者将人物变形，运用组合、拼贴、拓印、手绘、剪裁等多种手段，不断突破传统水墨的界限与观众的认知，将自己的所见、所思、所感统统放进画面里。在时隔29后再次呈现，不知会与今天的观众碰撞出怎样的火花？
顾黎明
顾黎明关注的人与自然的关系，借荆浩“山水赋”之胸襟，半隐半现地呈现出人对自然环境的两种情怀一。在这个系列创作期间作者还开始尝试融入民艺撕纸的方式拼贴画面。无论从是山的形象还是水的律动，都蕴含着中国传统文化艺术带给他的灵感和滋养，在交织的线条和色彩中，通过笔触与色彩触发纸性的内在魂魄，生成多意切换空间。正如他自己所言：“这些痕迹可以勾起我们对历史情怀的眷恋，同样也能够反映我们现实的境遇。”
周伟华
当代艺术强调对社会问题的关注，注重作品的创造性，批判性和实验性。我的作品一直努力超越以往的艺术框架，追求以个人化的语言形式提供给观众一种新的观看世界的视觉体验和内心思考。我在作品中把各种不同的形象用拼贴，置换等方法重新组合起来，营造一种更加自由的，超现实的景观图像来表达我对世界的感受和态度。我希望我的作品能为观众制造一种复杂而又真切的体验，某种包含了困惑，冷静，无奈，欲望，对抗等多种情绪的混合体，试图提醒人们在今天这个物质成功学泛滥的消费时代，每个人如何建立健康的价值观，培养独立之精神，自由之意志，如何在快速变化的社会发展中真实地认识自己，接受自己，并在一定程度上超越自己。
郭振宇
面对全球资本主义极度发展，物质资料极大丰富，人类在追求财富与享乐的生活中生活成本不断攀升，经济、文化、气候、族群、疾病不断全球化，人类面对的生活方式、生活环境、生存理念不断复杂化，人类社会极端邪恶与相对善良背反矛盾的交错发展、人工智能、核武器等危机不断涌现，我试图在面对这样的当代社会背景下借用艺术手段进行一次重新认知、思辨、批判、探求以及谋求重新规范人性根本的尝试。我们有责任在肌体上生成一种内应式的生命体，以一种缺口撕裂的形式与这个大时代、大命运体共震，带动越来越多的人关注、理解、参与当代艺术，将当代艺术自身的价值和活力散发出来，并在一定程度上去影响我们的人文环境和现实生活。创作过程中使用绘制、垒砌、雕刻、泼溅、烧灼、编织等综合手法，展现文明的历史，表现文明在纵向时间中的喻言和“文明的足迹”，思考 “人”与时间和自然之间的关系话题。人文主义的过度发展，造成灵魂与肉体的撕裂。人类对自然这个赖以生成、成长的环境的破坏，使人文主义原本的启智失去了意义，人工智能的发展让手工进一步失落，城市成为社会化的孤岛，形成难以消解的焦虑聚集体。人内心的贪嗔淫欲、喜怒哀乐是无法躲避的贼寇，对自我和外界产生杀伤力。灾难是却是文明的必然结果，而灾难又是在自然界范围内的自我修正康复或异化，孕育着新的秩序的产生。
孙磊
透视，在今天不仅仅作为一种科学的视觉方式而存在，它还在某种思维的认识上产生效应，尤其对于生活于疾驰节奏下的现代人而言，透视实际上越来越是一种生活方式，也就是说，人们越来越明显的感到自己是在他人的眼光中生活，这种眼光不仅仅是一种外在形式，像飞机安检，它以更多、更复杂、更深入的形式在人们内心产生作用。比如：电话通讯使人无处可藏，那几乎是任何时间任何地点都不能拒绝的透视。透视使人和事物透明，我们几乎不能在这样的生活中拥有更多的隐私，我们是透明的，因为影射我们的事物是透明的，认识我们的方式是透明的，管理我们的机构是透明的，所谓的法律也是指向透明的。所以，对我们而言，透明意味着无时无刻地被看到、被审视、被摧残，即使它以难以置信的美的形态矗立在我们的面前。
作品《透视》是利用对光的透明性质的理解来展现人与事物的处境，主要将旅行包、手提包及包中的物品进行透明化处理，通过透明的物在材料上的转化和物与物之间在意义上的关系来进一步阐述我们对生存现状的具体认识和细微感受。
杜小同
这几件作品是我在中国美术馆的个展中的主作品。尺副较大。当人处于自然中时，主体性是平的。欲望也就自然隐退了。所有的有关生的不适和焦虑都隐退了。我想艺术是可以来平衡内在和外在，人与他人，人与困顿的最好的调和。人可以不只面对自我，面对眼前。他更可以带你走向更远，走向和时间和世界最近的贴合。
周长勇
这件作品对于可感知而不可见空间，提供了一种可视化视角。人身体周围的空间维度时刻被一团物质所占有，这团物质随着人的肢体语言而改变着形状，紧密结合、无时不在、黏稠迟滞。
作者使用数字技术，在计算机中制作这团物质，它具有重力、质量、弹性、黏度等物理属性。它与紧密包裹其中的人体动作产生碰撞，会自然形成不可预知的造型。
太极缓慢的动作却得到了较为复杂的视觉结果。典型的东方肢体动作，配合CG技术，完成了一段全新的艺术体验。
曲衍志
画家的浮生系列，通过自己的体悟表现最基本的人的生命问题。人生天地间，忽如远行客，人以个体的形式处在世界的边缘，命若琴弦，心若浮萍，茫茫宇宙，最终人将以实体还是痕迹来证明自己的存在，人的存在是超越于动物的纯粹生存还是对神的完满生存的反拨，是神的玩笑还是宇宙的梦想。这种种困惑因为时间和空间的无限性永远都没有完满的答案。人的自我确认从来都是无望的命题，从生存到存在的路途注定是徒劳无功却仍然踏刃而上的不归路。 徐良（中国油画院美术馆原馆长）
高相发
作品《印信》系列的创作契机源于对个体身份认证的探讨，指纹作为独特的生理印记被用来表征信用进而形成制度，已有数千年历史，作者将这单一的符号抽离出具体的契约文本，进行集合，试图重新思考和认识印信系统在当下的意义。在部分作品中，用指纹、印泥对日常图像作了“转译”，使图像通过直接的身体符号呈现在另一媒介中，客观图像经由肢体，在触觉和思维之间平衡，呈现为译后的弥漫性视觉景观。
邱飞
艺术家在迷恋一种材料的时候不是盲目的，而是血液里自来的一种情感，正如我一直迷恋木版画的制作，一开始只是觉得他是一种表现的方式手法，做了十几年的木版画发现手里板子很多印出来的画却很少，在反复追问自己后发现，我迷恋的仅仅是木版画的“刻”、“板子”这些材料。
2016年的《松》也正是在这种状态下产生的，我在一次次的对自己拷问后，沿着原有对5毫米里面埋藏的厚重与残缺，去构建材料的唯一性上中呈现我的印记。也是之前许多尝试的聚合，把单一物体放到空间内探索，通过一个普通物的仪式感入手，再选用工业复合多层木板作为主要创作材料，借用复合多层木板的每一层粘合与脱落，都似乎带着有一种生命的重生糅合融入，回到我心里的、情绪的“图解”空间，亦是我创造出“景观社会”。整个创作的过程也都是做减法的工作，那是意识走向的“空”。深受黑暗作家的启发，试图翻越社会与艺术的边界将强壮、黑暗、坚硬，无意识、死亡共同显现。这种视觉的情感放纵带给我的是一种试图抓心挠肺的感受，刮、刻、磨的过程与来自我自己内心的情感搅拌，忧郁、迷茫、荒凉、空寂甚至是荒诞都是与我的感受一种切合。
艺术家的创作总是在回看与展望中不断前进，我也不愿意重复一种形式，但是非常愿意重复一个主题，希望通过不同的角度把一个主题深入下去。我后面可能会有不同面貌的作品呈现，或者又跳回到原来的某一件作品开始，这都是不确定的，但我知道背后核心是一致的。
毕晓慧
从画板到图像，从图像到文字，从文字到声音，这个过程有一个总体指向性，展现、表明并加强了一个参照系，试图稳定住唯一的一个空间。对于创作我聚焦于周围的人或物，艺术的真实并不是现实场景再现，而是反思和批判。我的多重身份或社会关系给我带来的不同体验与思考，使我的创作链更丰富。基于此，我选择了两条创作链——空间内关系和小品创作，分别用不同的形式表述人与人、人与物或者物与物的关系。借助物象，编辑出超乎物象性本身的状态与矛盾或者其它关系，生成作品图像区别于言说和再现、可见和可读的作品，并在视觉（作品）中被封口，在阅读中被隐形，从而引发他者对作品或者说是对我想要表达的某种“关系”的思考。
